Depeche Mode – Songs of Faith and Devotion

… Tarea que se está convirtiendo en casi un esfuerzo vano. Me llena la imposibilidad, si se quiere. Me refiero, por supuesto que voy a alabar cada nota dentro de la Devoción y decir sólo cosas positivas y con cada adjetivo superlativo se me ocurra, es la fe inexorable que le profeso a Depeche. Y obviamente no voy a hacer el esfuerzo de intentar ser objetivo al mismo tiempo que me envuelvo por las abrasadoras notas de uno de los discos más dicotómicos de los noventas.

Con el “Songs of Faith and Devotion” me pasa lo mismo que con el “Strangeways, Here We Come”, ¿Como continuar después de la perfección, como sacar algo después del Violator, como superar un Queen is Dead?, la respuesta en ambos casos es la  misma: componer mejores canciones individuales, pero arriesgando cohesión en el disco. Las mejores canciones “sueltas” de The Smiths se encuentran e el Strangeways, mientras que en el “Songs of Faith and Devotion” son puros hits, nos encontramos con el Depeche en el tope de su carrera. La realidad era la siguiente: los componentes de Depeche lo estaban pasando mal, no había comunicación entre ellos, Dave tenía problemas con las drogas … De alguna manera todas estas desavenencias, contradicciones y frustraciones quedan reflejadas en algunos temas del álbum, como la voz de Dave en Condemnation que parece que vaya a quebrase en cualquier momento ( y resultando una de sus mejores interpretaciones ).  Pero, a pesar de todo esto, lo que acaba prevaleciendo a lo largo del tiempo y que rezuman todos los temas es una belleza de efectos catárticos que seguro les acabó sirviendo a todos  como redención. Por descontando siguen manteniendo esas sensaciones épicas que transmiten siempre.

Describir la obra que continua a la perfección es tortuoso, hablar de la gran vena blusera que salpica a “I Feel You” puede transformarse en algo tan desesperante como el celibato: “Walking in my Shoes”, nos encara Depeche. El disco se diluye y flota etéreo durante un par de canciones, el tiempo se detiene, la ilusión de tranquilidad se quiebra drásticamente en cuanto “In You Room” penetra deliciosamente en nuestros oídos, cagamos, el disco hizo su trabajo, estamos inmersos en canciones que van más allá de la Fe y que muestran más allá de la devoción. Ok, que tal vez era un poco exagerado pero la ilusión que se acumula  queda a algunas cuadras de la realidad, el manejo de lo sensual, de lo onírico y de lo carnal me hacen sudar las manos y crujir el latido del alguna vez letárgico corazón que atesoro por compromiso. Basta de mentiras, nos encontramos con un disco que puede ser imperfecto, un poco exagerada y hasta pretencioso. Podría también ser odiado por una gran cantidad de aficionados de la “vieja escuela Depeche Mode”, pero es el mismo disco que nos da el hermoso final que se prende desde “Get Right Whit Me”, pasando por la enérgica y “Rush” para terminar fundiendo todo en dos temas que eclipsan a cualquiera, “One Cares” con su oscura y delicada sección de violenes y la prerfecta “Higher Love”, es acá donde se acaba el viaje,… un viaje que fue real: “yo sentí que” habían guitarras de todo ello, guitarras inmersas en la medula de Depeche, ¿fantasía?, a escuchar “I Feel You” de nuevo, el viaje comienza otra vez….

In Your Room

I Feel You

Walking in my Shoes

Peste Noire – Ballade Cuntre lo Anemi Francor

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Aprovechando esto de las plagas, pestes, pandemias y demases me acordé de los franchutes de Peste Noire, se refresco mi mente, recordé con estima sus dos anteriores y geniales discos, y más que nada me he dedicado a escuchar su nuevo disco: “Ballade Cuntre lo Anemi Francor”, que en zambo quiere decir: “Ballada contra los enemigos de Francia”, o algo por el estilo.

En este disco Peste Noire pasa de la crudeza Raw a una marcada influencia medieval, no por nada el disco elogia a François Villon (otro más a la lista despues de C. Baudelaire, G. de Machaut y  T. Corbière), el más grande y ultimo poeta medieval francés, personaje que encarna totalmente el espíritu del disco o el disco encarna fielmente a este desaliñado personaje que vivió rodeado de hambruna, peste y guerras, oh! los temas favoritos de Peste Noire, además nuestro curioso poeta desapareció mientras esperaba ser ahorcado, así que ¿como no hacer un disco de sucio y crudo black metal enfocado en Villon?.

Si en el Folkfuck Folie las letras trataban de enfermedades de transmisión sexual y acoso a embarazadas, en el Ballade cuntre lo Anemi Francor nos encontramos con tópicos más nacionalistas enmarcadas entorno a Villion, todos sabemos que La Sale Famine de Valfunde tiene las tendencias más “viva la fuckin france!” dentro del grupo y las hizo valer en este disco, aunque no un nazi como es a menudo acusado, no por nada se refiere a ese tema burlonamente cuando canta “Sieg Inferno” en el segundo tema, pero no para mi este disco es de frentón algo Nazi, con muchas aluciones al nacionalismo, shuper chauvinista, “le baguette”, “la voina”,”le mimo”,”u lala mon amour”,… y todas esas weas.

Volviendo a lo estrictamente musical, el disco es de puta madre, con un grado más de rock&roll y medievalismo que los anteriores, igual de oscuro, denso y cochino, lleno de recovecos y pequeños sórdidos detalles que hacen a Peste Noire una de las mejores bandas del circuito Under, mi única queja con este disco que es demasiado corto, fluye de una manera asombrosa pero de las 10 pistas que tiene, 5 son interludios variopintos, inteligentemente colocados eso si, dandole la cohesión que les falto en el Folkfuck Folie.

Fucking Brilliant,… les doy 10 garrafas de vino y dos roquefort,….

Charles Mingus – Mingus Ah Um

1959, que año más glorioso. En aquel diminuto período  de tiempo se publicaron discos espectaculares, neuralgicos en lo que al siglo XX refiere, por mencionar algunos: Kind of Blue, Mingus Ah Um, The Shape of Jazz to Come, Giant Steps, Time Out, Back to Back, Abbey Is Blue, Moanin’ la lista suma y sigue, es cosa de ponerse a buscar. ¿Quieres una obra maestra?, buscala en el 59′.

Dentro de la apabullante calidad de las artistas de esa época  hay un ocasional pianista, increíble compositor, carismático líder de banda, combativo ciudadano, orgulloso negro, peligroso enemigo, empedernido mujeriego, violento individuo, y mucho mejor contrabajista: Charles Mingus, quien fue uno de esos músicos en la historia del Jazz más difíciles de encasillar. Su eclecticismo natural y su desbordante talento lo hicieron transitar por caminos diferentes y sumamente originales, que nos lleno de discos geniales, como esos buenos vinos en los que su aroma es intenso y única la sensación que dejan en el paladar.

Uno de los discos que Mingus que más tengo en el paladar es el  “Mingus Ah Um”, y eso que sumerguirse en las obras de Mingus puede ser algo complicado por la cantidad de piezas apabullantes que se nos presentan: “Pithecantropus Erectus”, “The Clown”, “Tijuana Moods”, “Blues & Roots”, “Charles Mingus presents Charles Mingus”, “Mingus at Antibes”, “Mingus,Mingus, Mingus, Mingus”, “The Black Saint and the Sinner Lady”, “The great concert” y podríamos seguir.

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Aquellos discos, todos, son magníficos,  pero ahora nos convocamos entorno a este: “MINGUS AH UM”. La razón principal es la variedad de estilos utilizados y la enorme calidad de las composiciones, sumado a que escuché “Boogie Stop Shuffle” todo el verano. Aquí escuchamos a un grupo camaleónico tocando sin solución de continuidad Gospel, Bebop, Hard Bop, New Orleans, Swing…… y lo más importante puro rock&roll (en actitud, pero también vale), Mingus tenia una visión del jazz sumamente extravagante, con matices y guiños a diferentes estilos y una original forma de componer. Si bien esta etapa esta alineada al Hard Bop de los 50’s, sus discos no sonaban parecidos a ningún registro de la época. Diría que junto a Thelonious Monk, fue el “bicho raro” de los 50’s.

Para el disco formó un septeto donde se destacan John Handy, y el monstruoso tenor Booker Ervin. El sonido de la banda trae reminiscencias muy claras a las teorías compositivas de Ellington. Los climas creados, las orquestaciones y sobretodo las sutilezas sonoras ubican esta producción de Columbia Records, entre lo mejor de su prestigiosa discografía. Pareciera que ningún estilo del jazz les fuera ajeno a los John Handy, Booker Ervin, Shafi Hadi, Jimmy Knepper, Willie Dennis, Horace Parlan y Dannie Richmond, conducidos con mano férrea y al mismo tiempo con toda libertad por Mingus. Cuando los días 5 y 12 de mayo de 1959, los mencionados entraron el dicho estudio de Columbia, situado en la calle 30 de Nueva York, para grabar un puñado de temas, todos compuestos por Mingus, no eran conscientes de estar dando forma a una de las mejores grabaciones de la historia del jazz.

Comienza “Better Git On Your Soul” con la introducción de Knepper y los pies se disparan. ¡Qué ritmo, qué fuerza, que poder!. Apenas nos hemos recuperado de semejante torbellino y nos cae encima…… la sutileza en estado puro, para esta producción que se resume perfectamente en una de las baladas más increíblemente bellas de Mingus, y de la historia del Jazz. “Goodbye Pork Pie Hat”, dedicada al celebre Lester Young que algunas semanas antes había muerto.

Y ya estamos con otro imparable temazo, “Boogie Stop Shuffle” o del cielo a la tierra, directamente a los dancing-hall de cuando el jazz era una música popular y bailable, no un laboratorio para experimentos (tampoco fue justo Lennon, calificándolo de mierda para intelectuales).

“Self-Portraits in Three Colors” o Mingus en el diván del psquiatra. Y siguen los variados homenajes a músicas y maestros, “Open Letter to Duke”, es una contenida misiva al mayor compositor norteamericano del sigo XX, incondicionalmente admirado por Mingus,su gran y verdadero ídolo, fue toda la vida Duke Ellington, y es aquí donde más dejó en evidencia su admiración hacia el Duke. También hay espacio para una emocionada mirada a Bird, a esta altura ¿Quién se osa a no giñarle a ojo a Bird?, por eso tenemos “Bird Calls”,  Mingus asimilando el legado del gran genio.

Furibunda descripción de Faubus, el fascista gobernador de Arkansas de la década de los 50, podemos encontrar en  “Fables of Faubus”,  que termina siendo una de esas imborrables piezas empapadas de dignidad, rabia y energía del Mingus más indomable. El Mingus activista social, ese que se manifestaba en pro de los derechos de los negros y que no tenía pelos en la lengua para expresarlos.

Extraordinaria “Pussy Cat Dues” con el clarinete de John Handy y el maravilloso trombón de Jimmy Knepper, que también se luce en el homenaje a Jelly Roll Morton, que despide a lo grande el disco.

De éstos nueve temas, todos menos “Better…”, “Fables…” y “Self-Portrait…”, fueron acortados para la versión en LP. Publicados en su edición original en 1979, se añaden tres temas extras en ésta reedición: dos temas de Mingus, “Pedal Point Blues” y “GG Train” y un tema de Clapp-McHugh “Girl of my Dreams. No es un material esencial ni añade más gloria al álbum, ¡sería imposible!, solo alarga la agradable sensación de escuchar uno de los mejores discos de la historia.

La real magnitud de este álbum fue opacada notoriamente porque el 59 fue año glorias, Ornette Coleman puso al Jazz de cabeza con “The Shape of Jazz to Come” inaugurando la era Free Jazz, Miles Davis las estructuras modales y John Coltrane los acertijos indescifrables de su “Giant Steps”, pero ahora gracias al tiempo, re-ediciones y la fanaticada hambrienta de Mingus han puesto al “Mingus Ah Um” en el pedestal que le corresponde, un disco infaltable para los amantes del jazz en cualquier nivel, pieza clave para entrar al mundo de Mingus, mejor ir a la segura y agradable antes de explorar la etapa del “The Black Saint and the Sinner Lady”.

Sin más que decir:
Un buen trago, Mingus, fumestibles y a disfrutar!, ….. la cuenta por favor!!!

“Running with Scissors”

¡Eso sí que es una familia disfucional!

“Running with Scissors” es la historia real de Augusten Burroughs, un particular por no decir raro chico criado en su tierna infancia entre un padre alcohólico y una madre inestable y en su adolescencia por la bizarra familia del doctor de su madre, Dr. Finch. (IMDB)

Los actores son de alto calibre y la fotografía es bastante buena, el trabajo de dirección es notable en esta película (como en aquella escena con “Blinded by the Light” o la de los gritos de varios personajes) y la historia es atractiva y rápida, pero, sin haber leído el libro de Burroughs, de nuevo creo que todos los créditos se los lleva el director Ryan Murphy, quién hasta el momento no ha dirigido otra película: hace que la historia quede realmente bien contada, que uno entienda a los personajes (grandes actores en todo caso) así como que no los entienda a momentos.

Sí, lo mejor se lo lleva la dirección, pero no por eso hay que desmerecer a los actores ni al mismo escritor Burroughs (no el de Cronenberg), pues todo este conjunto hace de esta una película memorable, de esas verdaderamente “alternativas” o indie o cine arte o con el esnobismo con que quieras pasarte a caca.

This Heat – Deceit

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Era casi una obligación oir el Deceit, ese extraño culto sobre uno de los mejores discos de los ochenta que no se parecía a nada antes hecho. Ahora puedo concluir que es no es más grande el mito que la realidad, que lo que hicieron This Heat fue seguir la excelente herencia de Can, utilizando los medios de sus días e influenciados por el panorama sombrío alrededor de la industria musical y el orden mundial. La imagen colorida que aún se nos vende de la década de MTV, el Nintendo y Ronald Reagan, tiene una cara diametralmente opuesta en en Deceit.

This Heat quizó crear con Deceit un sueño que mezcla la apocalíptica realidad de la guerra nuclear con pasajes oníricos, que por más absurdos, tanta convulsión los hace unas brillantes pesadillas. O así mismo lo anuncia “Sleep”, quizá lo único ligero que enfrentarás en en el disco y que muy poco durará, pues el paso de “Paper Hats” nos lleva a la oscuridad que baña a Deceit, la misma que en “Triumph” quisieras despejar, en una canción que suena a un deleite de obra kabuki de garaje, introspectiva en medio de la miseria. La energía aparece con “S.P.Q.R.”, donde se convierten en colonizadores en nombre del Imperio Romano, sin respeto por el otro, sólo buscando la gloria, la misma que alcanza This Heat en esta poderosa canción. Se levanta un halo litúrgico con himnos como “Triumph”, “S.P.Q.R”, “Cenotaph” y “Shrink Wrap”, ésta última mantra que te aconseja no morder la mano que te da de comer en un universo en continua expansión. Pero luego pasan a juegos como “Radio Prague”, donde parecieran jugar con la perilla del volumen de una grabadora, o “Makeshift Swahili”, acaso punk, acaso demasiado experimental para ubicarla en alguna categoría, hablando sobre la confusión de un mundo en el que todos hablan diferentes idiomas y nadie le entiende a la pobre chica alemana; vuelven con “Independence” al tono místico con sus arreglos tropicales y hablando sobre la igualdad de la humanidad, rota por la lógica bursatil. This Heat te lleva de un lado a otro hasta el final: mientras “A New Kind of Water” se convierte en lo más rock que pudiera haber en Deceit, “Hi Baku Shyo (Suffer Bomb Disease)” consiste en un divagar casi silencioso, que con el pasar de esos cuatro minutos se hace cada segundo más pesado.

Es un álbum del que es difícl decir cosas generales, poderoso tanto en su sonido único, como por sus letras entre el chiste y la dura realidad. De Deceit debieron alimentarse Boredoms y Animal Collective, pero ninguno ha sido tan preciso como los This Heat en 1981.

Das Kabinett des Doktor Caligari

Auténtico clásico del cine, no sólo del de horror (por ser la primera verdadera película de horror), sino del cine en sí mismo. Esta producción alemana de corte expresionista data de 1920 y se consolidó hace ya bastante tiempo como una joya del cine expresionista alemán (qué específico, pero hay otra importantísima película de este movimiento, el también clásico de Murnau “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens”). Al parecer está basada en una anécdota real ocurrida en una feria.

“El Gabinete del Doctor Caligari” se trata de un  malvado doctor (a que no adivinas cómo se llama) que recorre ferias con su gabinete contenedor de un temible ser hipnotizado llamado Cesare, quién cumple como zombie las órdenes del doctor, lo que contempla demostraciones de día y atrocidades de noche. La historia es bastante simple pero la idea es fascinante, en especial porque es muy plausible (es algo que, si bien es impresionante, esperaríamos encontrar en una feria) y la dosis irreal de la historia (los crímenes cometidos contra la voluntad) es explicable, por ejemplo, con las suministración de drogas por el temible doctor (quien me recuerda a Menguele a otro diabólico experimentador nazi).

Al igual que en las otras películas del inicio del movimiento de CEA, las escenografías son surrealistas y en este caso cubistas. Hay un par de escenas geniales, en especial recuerdo aquella en la que Cesare lenta, apasible y horriblemente abre los ojos para cumplir las órdenes del Doctor. Las actuaciones son de alto nivel y no hacen extrañar el sonido ni un instante. En cuanto al ambiente, no se puede decir menos que es atractivo, principalmente por la notable fusión entre realidad y fantasía que se da entre el muy posible guión y las escenografías vanguardistas, pero también por el misterio genialmente logrado (lo cual no es fácil, ¿o no Hitchcock?) al transportarnos a la Alemania de principios de siglo XX y contarnos una de esas historias de las que nos cuentan los abuelos de campo, de esas que parten muy verdaderas y terminan jugosas y fantásticas a medida que se traspasan de narrador.

De esta película se ha llegado incluso a leer una alegoría a Hitler, pero no creo que tenga doble significados: la historia es lineal y directa, sin simbolismos (al menos no del tipo “El Ángel Exterminador”), y bastante craneal. Claramente se podría (y no es un mal ejercicio) encontrar lógicas simbologías, alegorías, críticas, etc, en algún aspecto de la película, pero más allá del cambio cubista-realista en la escenografía entre la historia y las escenas inicial y final (no tan difícil de descifrar su significado pero aun asi explicado en wikipedia), no creo que haya mucho oculto entre estos maravillosos cuadros.

El cambio al que apunta el estilo artístico de la escenografía referido anteriormente, en relación a la historia, le quita algo de novedad (probablemente no en sus tiempos), pero la consistencia de esta película integral nos hace olvidar la simplicidad de la historia y concentrarnos en su aspecto envolvente y fascinante.

En un adjetivo: integral.

Artículo en Wikipedia

Primal Scream – Xtrmntr

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En la construcción de la cadena que permite entender qué fue y qué será el rock, XTRMNTR es clave en el último eslabón que ha salido a la luz. ¿Qué otro album en los últimos años une la rabia de Stooges, la crítica de MC5, la densidad de Jesus and Mary Chain y My Bloody Valentine sin sonar a plagio?

Primal Scream es un supergrupo, y XTRMNTR es la prueba irrefutable. Pocos discos pueden jactarse que en sus filas tienen a la crème de la crème del pop británico de los últimos 20 años, que ofrecen su versión, violenta y sucia, del control gubernamental,  aquí no hay sutileza, el disco es directo y explícito (no hay más que ver los títulos de las canciones). El control del mundo que nos presentan es casi fascista y la única salida que parece que nos sugieren es la respuesta violenta.

La crónica comienza con “Kill all hippies”, donde ya hay un intento de resistencia (”Tú tienes el dinero, pero yo tengo el alma y no puedo ser comprado, no puedo ser poseído”), y su memorable línea de bajo; las virulentas “Accelerator” (que aparece como resultado final de “Kill all hippies”: la muerte, ”Andando por estas calles llenas de carne muerta”) y “Exterminator” son la mejor lectura del garage para las futuras generaciones que se ha escuchado en el último lustro, con un paso en la pista de baile y otra en el campo de batalla (“Exterminar a las clases bajas… Sin desobediencia civil…Crees que eres libre, pero sólo eres libre para ser golpeado”) proclamando la desobediencia civil y la crítica contra las fuerzas económicas armamentistas, como en “Swastika Eyes” que deja claro desde su título el sistema bajo el que nos movemos, e “Insect Royalty”, una fusión groove donde todo está infectado por los “parásitos”.

Esta forma tan arriesgada de leer el rock viene desde el psicodélico Vanishing Point, disco que no lograba claridad en las ideas por lo repetitivo. Ello no se siente en XTRMNTR: todo va directo a la vena. Incluso los momentos más tranquilos, en la hermosa “Keep Your Dreams” y el cierre con “Shoot Speed/Kill Light” la muerte de la luz, el Apocalipsis, inclusive ahí hay precisión, diciendo todo en un tiempo y ritmo perfecto. En un discurso subversivo, la precisión y la intensidad importan, y Primal Scream lo supo. El giro funk de Gilliespie en “Pills” va más allá de la parodia, no desencajando en el resultado final; las ráfagas de free jazz en “Blood Money” y “MBV Arkestra (If They Move Kill ‘Em)” (junto a “Accelerator”, lo mejor del disco) es rotunda gracias a la manipulación de capas de guitarra realizada por el genial Kevin Shields. Tampoco resulta redundante la remezcla de “Swastika Eyes” en manos de Chemical Brothers, ayudando a intensificar la experiencia…

…una experiencia acojonante que suena tan vigente como rupturista, que dió las primeras señas de cómo debiera sonar el rock en la próxima década. Porque, entre dub, electrónica y jazz, ésto es rock del bueno, que aún puede golpear fuerte en una convulsionada y atolondrada época de la historia que nos tocó vivir, el sonido inyecta adrenalina en ese mensaje político (que muchos consideran fallido) con una música innovadora que mezcla punk, guitarrias distorsionadas (cortesía de Kevin Shields de My Bloody Valentine) y electrónica pasada de anfetaminas. La discoteca del Apocalipsis.

El problema es que nadie ha recogido este testigo, ni siquiera los propios Primal Scream.

Lux Interior & The Cramps: Adiós Garbageman

Lo más horrible de las vacaciones (además de que se acaban y la llegada de marzo) es ponerse al día, el hecho de desconectarse del mundo te pasa la cuenta. Después de un día entero de voyeurismo musical dí con la ya añeja noticia de la muerte de Lux Interior (el 4 de febrero, problemas cardíacos, a los 62 años de edad), un desconocido para muchos, el vocalista de The Cramps para nosotros.

Lux junto con Poison Ivy fueron padres, mentores, dueños y los únicos dignos exponentes de esa locura que quisieron llamar Psychobilly. Danzing y los suyos quedan como niños de pecho frente a la odisea horror punk que se asocia a la banda del difunto a quien homenajeamos. Podemos definir a The Cramps de muchas maneras, como un grupo de mal gusto, como la plena decadencia del punk, o como los portavoces de todo aquello nos hace unos inadaptados:

Monumento de y para la cultura biodegradable, remembranza sin resquemores del cafre adolescente que fuiste o quisiste haber sido, motos y carreteras nocturnas bordeando cementerios de Serie Z donde buscar la tumba de Bela Lugosi, o las tetas de Maila Nurmi… Eso son los Cramps.

Rockabilly radicalizado, tupés desmesurados, palurdos aprendiendo a rascar una guitarra o aporrear unos bombos en un garaje cochambroso, y Los Ramones haciendo turno para mirar por el ojo de la cerradura en un burdel de mala muerte, los autos que se transforman en burdeles para las reinas de belleza, el látigo y el fetichismo, la extrapolación de los miedos de Cronemberg … Eso son los Cramps

También Ed Wood encontrándose con Orson Welles en un bar de Los Ángeles a mediados de los cincuenta e intercambiando confidencias sobre cine y problemas de financiación, mientras Russ Meyer lleva su despiadado feminismo a la carretera, la psicodelia alejada de las flores y cercana a los reactores nucleares, la toxicidad traducida en la decadente cultura surf,… Eso son los Cramps.

Nada de romanticismo ni mística, olvidate de Allan Poe y acepta las maldiciones Faulknerianas, a la generación Beat empañada como la  sombra errante de Caín, o ese Caín que llamamos Jerry Lee Lewis pidiendo guerra,  acordemosnos de Elvis Presley, pero el Elvis colgado al techo de las drogas ofreciéndose a Nixon como agente secreto para la salvación del American Way of Life…  Éso son los Cramps…

…. todo eso fueron hasta la muerte de Lux Interior:

Lo Feo

“Categoría estética en que se reflejan los fenómenos de la realidad adversos a lo bello y en que halla su expresión la actitud negativa del hombre respecto a tales fenómenos. En contraposición a lo bello, lo feo en la sociedad se caracteriza por presentar obstáculos a la libre manifestación y al florecimiento de las fuerzas vitales del hombre, por el desenvolvimiento limitado, monstruosamente unilateral, de dichas fuerzas, por la descomposición del ideal estético. En lo feo, la esencia humana se contradice a sí misma, se manifiesta bajo un aspecto deformado e inhumano, lo cual resulta patente en el arte a través de figuras como las de Golovliov, Pliushkin, Yago y otras. En el mundo burgués, lo feo predomina sobre lo bello, lo cual se refleja en la preponderancia de los tipos negativos sobre los positivos en el arte del realismo crítico, arte que utiliza las imágenes de los personajes y caracteres negativos para criticar y poner al desnudo los aspectos inhumanos de la vida que destruyen la belleza del hombre. En el arte auténtico, la representación estética de lo feo constituye una forma peculiar de la afirmación del ideal de belleza. Decía Belinski que toda negación, para ser viva y poética, ha de hacerse en nombre del ideal. La obra de educar al hombre de la sociedad comunista se encuentra indisolublemente vinculada a la lucha contra las supervivencias feas y repugnantes del pasado en nuestra existencia, que dificultan la creación, de una nueva sociedad.”

…

Diccionario soviético de filosofía
Ediciones Pueblos Unidos, Montevideo 1965

“Es bello porque es horrible”: Lo informe, indeterminado, caótico, desproporcionado, irregular, absurdo, raro, exótico, monstruoso, horrible, terrorífico, maléfico, cruel, tenebroso o prohibido, pero también lo decadente, patético, vulgar, asqueroso, estúpido, banal, bajo o escatológico, incluyamos lo gótico, los tatuajes y pearcings, freaks, los sucios, los rotos y remiendos, los parches, la tecnología retro y las películas de serie B, porque no sumar además la  basura televisiva, son  cosas  bellas porque son horribles.

Son la  imagen de Dios: la explosión del átomo, la amargura del pobre y la dispersión del esperma. Las neurosis y sicopatologías. Las enfermedades venéreas. La luz en tus ojos es el odio al semejante. La desintegración familiar. Las bombas en racimo. La exaltación del hombre y la desesperación del futuro. El cambio climático. El exterminio. La lucha de clases. La primavera nuclear. La nada. Y todo lo demás que es bello porque es horrible. Es la imagen de Dios, porque es  la luz en tus ojos. Es lo que te hace pensar, dar vuelta la cabeza, negar la vista,…. entendamos lo horrible como bello, lo feo nos hace humanos.

El más bello de los monos es feo en comparación con la especie humana y que la olla más bella es fea en comparación con las doncellas. Si alguien compara a las doncellas con las diosas ,¿no experimentará lo mismo que al comparar las ollas con las doncellas? ¿No es cierto que la doncella más bella parecerá fea?

Air – Moon Safari

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No hay nada como las desintoxicaciones o rehabilitaciones  veraniegas , dejar de lado los vicios y demostrarte que todavía tienes control sobre tu cuerpo, ¿No es eso una juventud soñada?. Pero hay ciertos placebos que son imposibles de olvidar, algunos que te pesaran toda la vida, si aceptas la invitación de Air a su Safari Lunar es poco probable que te despegues de la adictiva necesidad de escucharlo.

Un disco que no hay que entender, presenta su mundo de una manera única,  un mundo que hace combustión internamente y luego se apodera del entorno. El Moon Safari parece un juego infantil de dos tipos con apariencia de desadaptados (de esos que les pegaban en el colegio), hasta que luego de las risas de los demás arranca una exploración pintoresca por el espacio, como una película de Méliès bajo la retina de Godard.

“La femme d’argent” funciona a la perfección como un track introductorio, pues luego de siete minutos de seducción obedecerás a cada una de las ordenes de Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel; en esta pieza arranca todo como un simple murmullo y sin darte cuenta Air ha jugado su arma maestra rareando el ambiente con su psicodelia burguesa. De “Sexy Boy” no puedo decir nada, pero ¿quién no quisiera ser el muchacho por el que suplica aquella voz? Lasciva, divertida, es de esas canciones inolvidables, y siendo lo más light que te puedas encontrar en el Moon Safari, es nada simple. “All I Need” es romanticismo puro, de esas canciones que quieres oir con la persona que te trae volando, además que posee la sutileza suficiente para volverse parte de todo, como si siempre hubiera existido, sólo que nunca le prestaste atención.

Todo está envuelto en una atmósfera de misticismo pub, de la  reunión de la burguesía bohemia, y de vez en cuando hay diversión, aunque tímida, como en “Kelly Watch The Stars” y un poco en “Remember”, que también es bastante tierna en realidad. Eso sí, las canciones más sublimes son las más nostálgicas en Moon Safari, o si no escucha “Talisman” una vez y salte de su embrujo, ¿ven que no es fácil dejar los placebos?, pues siento toda la tensión de un despertar a enfrentar el mundo, o de esas relaciones conflictivas de las que no  quieres dejar porque le dan sentido a la vida. “You Make It Easy” parece optimista, pero es bien melancólica, casi una profecía de un próximo desastre posterior a tanto placer, aún cuando pareciera ser hecha para cualquier tipo de oído. La tristeza no se asoma en el estado que te vende Air, ni siquiera cuando se despide en “Le voyage de Pénélope” de manera tan gloriosa con la guitarra épica clásica, y demostrándote que estás en medio de la nada pasándola de lujo. Quizá “Ce martin là” que deambula sin rumbo fijo con incertidumbre pueda hacer las cosas algo oscuras, no obstante se trata de esos lamentos de niño consentido. La realidad está muy lejos del trance que vives acá, porque Air parecen nietos de Roxy Music en la total inconsciencia.

Elementos que Air utilizó en Moon Safari como el vocoder se hicieron recurrentes en los seudo músicos de la electrónica, así que te puede dar cierto fastidio “Remember” o “New Star In The Sky”, pero sabes que nunca tales clichés sonaron mejor. Así que lo mejor es que dejes que todo se ponga borroso por el humo, porque pronto estarás en la Luna, y Air habrá cumplido su objetivo: introducirte un nuevo vicio.

Sexy Boy