Joan Miró, Interior Holandés

Antes de continuar enumerando tenuemente los discos que más me sorprendieron de la década pasada, prefiero realizar un alto y mirar con detención una de las pinturas que encuentro, por no decir menos, indispensable en la retina de la sutileza.

Interior Holandés, Joan Miró

Podemos reconocer a Miró como unos de los grandes exponentes de la pintura surrealista del siglo XX, quien mostró grandes influencias y trazos heredados del cubismo y el expresionismo alemán, pero una de las influencias más curiosas dentro del abstracto mundo del pintor es la pintura Holandesa del siglo XVII -siglo de oro de la pintura holandesa- que mostraba fuertes matices costumbristas y descriptivos, donde de una u otra manera se paralizaban escenas llenas de vida y colorido.

Uno de los pintores que más impresionó a Miró fue Jean Steen, y en especial su cuadro “Lecciones de Baile”, en el cual podemos visualizar el interior de lo que se supone una casa holandesa, donde un dantesco joven toca su laúd a la vista paciente y atenta de una mujer, ambos instalados agradablemente en la mesa (es de intuir que la cena ya ha acabado), acompañan este agradable retrato un perro que mira fijamente al observador, y un gato algo somnoliento. Es de apreciar también la gran ventana que nos aporta la perspectiva de interior/exterior. Curioso nombre el de “Lecciones de Baile” dado lo estático del cuadro, donde el único acto vigoroso es realizado por el interprete del laúd. Ahora bien, ¿Dónde yace la genialidad de Miró frente a este retrato?, en la transformación de lo real y cotidiano en algo abstracto e iconográfico. Miró desfigura de una manera sutil el cuadro de Steen, lo desarticula, lo expande y lo contrae, pero la realidad misma de la escena sigue ahí, de forma concreta e inalterable. Le añade mayor vida mediante colores más fuertes, mantiene el protagonismo del músico otorgándole más volumen al igual que al laúd, forzándolos a ser el eje principal del cuadro, a ser el primer acercamiento del observador. Luego distorsiona los objetos inanimados, llevándolos a un plano netamente abstracto, el lugar de la mesa esta ahí, más no reconocible como una mesa sino como un gran caudal donde se apoyan otros incomprensibles objetos, al igual que una informe mujer. El perro sigue ahí, ahora más contemplativo, incitando al observador a ser parte de la escena y degustando los sabores del tabaco con una pipa, al igual que el gato que tímidamente se divisa bajo la torrencial mesa. El exterior se contempla mucho más vital y colorido, invitando entre tanto colorido a inmiscuirse en el universo exterior de una sala igual de caótica. Todos los trazos tienen un carácter lúdico, ridículamente infantiles pero rotundamente maduros que nos incitan a pensar en una posible perspectiva tridimensional.

El otrora interior estático se alza de un momento a otro como un delirante fluir de vida. Un excelente homenaje a la pintura holandesa.

Se nos va una decada parte IV: 2002

Volviendo a los discos, esta vez es el turno del 2002, uno de mis años favoritos junto con el 2005. Ningun desperdicio.

WILCO – YANKEE HOTEL FOXTROT

Uno de los puntos más altos no solo del 2002 sino de la decada. La banda de Jeff Tweedy nos entregó un disco tan  mágico experimental, que se pasea indie, el country alternativo e inclusive por senderos minimalistas. EL YFH es también un bienvenido antídoto a la mediocridad aplastante de la mayoría de los artistas influidos por el country, siendo un oasis de creatividad. Tweedy ha sabido aprovechar su loco interior para crear un paisaje emocionalmente devastador, con cada tema como inquietante amenaza con derrumbarse alrededor de nuestros oídos. Los adornos psicodélicos terminan de forma desorientadora y, a veces las estructuras de las canciones se tornan inquietantes, con desbaratar antes de tirar un gancho mortal, una carta bajo la manga, una vuelta en el último minuto. Wilco tiene el tipo de mezcla de excentricidad y el alma que no puede ser dejado atrás.

Wilco – Radio Cure

ISIS – OCEANIC

Con el lanzamiento del Oceanic, Isis  dasfió el tiempo y el espacio en que combinar metal, hardcore y post-rock se podía hacer a la perfección. Desde el crujir de las guitarras, los growls, y los juegos lentos y monótonos de las bases rítmicas, podemos escuchar algo que termina alternado la mente. En el transcurso del disco Isis nos lleva de un vértice a otro, pasando una y otra vez por el ojo del huracán, absorbiendo completamente las ondas aplastantes de su hipnótico sonido y melodías distorsionadas. Una plena realización de talentos colectivos, en una obra altamente meditativa y abstracta, muy alucinógena y eminentemente contemplativa.

Isis – Carry

SIGUR RÓS – ( )

Dado que todo el mundo alababa su musica, pero criticaba las letras, los islandeses de Sigur Rós decidieron lanzar un disco sin titulo, y canciones ídem. Tal vez el disco más acelerado y con guitarras más ásperas de Sigur Rós. Una joya imperdible en todo sentido y mi disco favorito de estos cauros.

Sigur Rós – Untitled 8

ARCTURUS – THE SHAM MIRRORS

Arcturus en su momento fue un grupo all-stars de la escena black metalera noruega, pero muy alejados de lo que es el black y muy cercanos al progresivo y el avant-garde, comandados claramente por Garm, quien implemento sus delirantes experimentaciones con Ulver en este disco. Lleno de pasajes y murallas electrónicas creadas por magistrales teclados, el The Sham Mirrors es una cátedra de como hacer metal oreja, complejo y bueno.

Arcturus – Nightmare Heaven

THE FLAMING LIPS – YOSHIMI BATTLES THE PINK ROBOTS

Una vez, cuando pequeño, trollee a una mina con respecto a los Flamig, hechando putiadas al por mayor y sin saber que tocaban estos chamacos. Pues bien, casi 7 años después soy un fanático acérrimo de The Flaming Lips, de sus melodías limpias, de su pop bien estructurado, de su psicodelia y sus puestas en escena. lgo que puede ser fácil de pensar es que la música de los Flaming Lips tiene siempre el mismo tono alegre – melancólico en todas las canciones, y es que así mismo fue mi experiencia con el Soft Bulletin en las primeras rotadas. En Yoshimi ellos mantienen este ritmo en las piezas más importantes, pero agregan uno que otro track para sacarte de casillas un rato, que en esta ocasión son los instrumentales “Yoshimi Battles the Pink Robots pt. 2″ y “Approaching Pavonis Mons by Balloon (Utopia Planitia)”, y en los que debo decir que hacen gala de su maestría para crear estados que distorsionarán tu cotidianidad. El primero es un delicioso arranque de demencia, mientras el segundo es lo último que esperarías para cerrar un disco de los Flamings, o inclusive cualquier disco.

The Flamig Lips – Do You Realize???

BROKEN SOCIAL SCENE – YOU FORGOT IT IN PEOPLE

You Forgot It In People se lleva el premio al mejor disco para estos días raros en que las sutilezas han aparecido por todos lados y al llegar quieres ruido que diga mucho, pero mucho al mismo tiempo. Ganas de saltar como un robot, o ganas de echarte a imaginarte cómo va a ser la cita de mañana. Ganas de que suene el teléfono, ganas de planear un beso, ganas de que todo salga diferente, pero bien. Nada que ver con la música, pero todo que ver con la vida. You forgot it in people. Sí pues, olvidé la música en toda la gente de hoy, pero obtuve a cambio la capacidad de oír a través de muchos más oídos. No creo que sea coincidencia que los dos discos de hoy hayan sido del mismo año. Y no creo que sea coincidencia que este disco me esté acompañando en esta noche rarísima, pajísima y sobre todo de esas que se te quedan por mucho, mucho tiempo, aunque después las olvides en la gente.

Broken Social Scene – Almost Crimes

AGALLONCH – THE MANTLE

El segundo álbum de Agalloch, y hasta la fecha el más aclamado por la crítica, The Mante es una combinación ingeniosa de varios géneros y, al haer esto, obvio, sale algo verdaderamente único. Un álbum trascendental, la reverberación de los patrones de los acordes simples y melancólicos ayudan a dar un ambiente inolvidable. Fluye como un rio, lleno de grolws y voces limpias, con una tranquilidad inexplicable, los serenos susuros son exquisitos. El uso de guitarras clásicas y acusticas dan un sello inquietante, hermoso y perverso. La bateria minimalista aviva las sutilezas del recuerdo, recuerdo de esas armonías esplendorosas y carismáticas, todo en un marco de desolación.

Agalloch – A Desolation Song

GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR – YANQUI U.X.O

Genios y reyes absolutos del post-rock de los 00s.

GSY!BE – Rocket Fall on Rocket Falls

QUEEN OF THE STONE AGE – SONGS FOR THE DEAF

QOTSA – GO WITH THE FLOW

ULVER – LYCKANTROPEN THEMES

Se nota poco que soy rabid-fan-boy de Ulver, todo lo que tocan es oro. Este disco pertenece a una banda sonora, minimalista, creada por Ulver, con giños al glitch y como siempre a la experimentación desmedida.

Ulver – Theme 7

DAVID BOWIE – HEATHEN

Tal como soy fan de Ulver, soy Fan de Bowie. El disco más solido del Duque de Blanco desde el Eathling, y eso es mucho decir.

David Bowie – Slip Away

REVEREND BIZARRE – IN THE RECTORY OF THE BIZARRE REVEREND

Con una pintura de Goya como portada, Reverend Bizarre se alzan como los defensores del Doom más tradicional y bisceral, sordido y pesado, con frecuencias inaudibles, que son casi imposibles de percibir en su totalidad, excepto por animales sin esqueleto, a saber uno que calase de molusco, arácnido o crustáceo es capas de disfrutat plenamente de estos finlandeses.

Reverend Bizarre – Doomsower

TOM WAITS – ALICE & BLOOD MONEY

El lanzamiento simultáneo de dos discos de espíritu muy diferente y nivel excelso nos ponía, en 2002, ante la evidencia de que Tom Waits, a diferencia de la inmensa mayoría de los músicos valiosos que doblan el cabo cronológico de la “madurez”, no se rendía, no se abandonaba a la autocomplacencia y estaba dispuesto a seguir añadiendo capítulos insoslayables a su obra. El crispado y por momentos crispante “Blood Money” y el mucho más accesible “Alice” supusieron una doble y sonora bofetada a algún que otro coetáneo abandonado por la inspiración y limitado a dar vueltas a lo mismo de siempre, como un burro alrededor de la noria.

Tom Waits – God’s Away on Business

MASTODON – REMISSION

Disco debut de Mastodon, una de las bandas más importantes de la escena actual.

Mastodon – March of the fire Ants

PORCUPINE TREE – IN ABSENTIA

Wilson se esperaba un éxito más como sus anteriores lanzamientos, este octavo disco supondría un cambio en la base ritmica nada más, manteniendo la calidad de composición y sonido. Pero no fué así, muy bien por un lado, pero mal por otro.  El éxito fue tal que Porcupine Tree empezó a triunfar más dentro del paronama, ya no eran tan desconocidos y eso agradaba o molestaba a los fans de siempre. Estaba claro que la inclusión de Harrison fué más que un acierto ya que redefinió al grupo y le otorgó lo que le faltaba. Wilson había demostrado una vez más el buen ojo que tiene para la música en general y los músicos, que no se muera nunca este tipo.
El empezar a elevarse en el paronama sirvió para cumplir los sueños de estos señores sobretodo de un Wilson que por fín veia recompensado su esfuerzo fuera del campo de la producción donde ya era bien conocido. Pero elevarse significa tener más responsibilidades y más seguidores exigentes y menos íntimos por lo que el sonido empezaria a irse por otras ramas y muchos fans dirian que PT tenía dos epocas y eso significaba fans de X tipo o de otro, la mierda de siempre a la hora de esta guerra de críticas y comentarios entre los coleccionistas que somos. In Absentia es quizás el mejor trabajo de Porcupine Tree ya que define un punto medio de todas sus etapas, podemos escuchar el sonido clásico que los define, el lado más suave que tanto llega al corazón de muchos, su lado más íntimo o el más extremo y duro que le pegaron los Opeth. En resumen, lo que quiero decir es que es quizás es el mejor disco para conocerlos, para ver de lo que son capaces, para ver sus límites y sobretodo su grandeza.

Porcupine Tree – Trains

JOHNNY CASH – AMERICAN IV: THE MAN COMES AROUND

Sin duda el mejor de los “American”, Johnny Cash hizo suyas cada unas de las canciones en este disco, y en especial una: HURT, original de NIN, pero es tan intensa que el mismo Trent Reznor declara que es mejor el cover. El disco entero tiene un aire de muerte, como si Cash supiese que el momento final esta por llegar, y deja el The Man Comes Around como epitafio.

THE STREES – ORIGINIAL PIRATE MATERIAL

Un clásico absoluto y consolidado del Uk Garage.

The Steets -Turn the Page

INTERPOL – TURN ON THE BRIGHT LIGHTS

Dentro de la negra y fría oscuridad una mano gélida y desconocida acciona un vetusto interruptor, y una luminosa luz roja baña el panorama musical indie que el nuevo siglo acaba de inagurar. Posiblemente ya no quedan caminos musicales vírgenes por dónde uno pueda explorar, y propiciado por ello la llegada del nuevo siglo supone la aparición de una nueva corriente musical originaria de New York City denominada “Post-Punk Revival”, claramente influenciada por aquellos jóvenes iconoclastas de finales de la década de los 70 que hicieron del No FUTURE su bandera, quemando y arrasando por doquier (o al menos lo intentaron) las normas sociales establecidas en aquellos lejanos tiempos.
Veinte años después, otros jóvenes recuerdan la esencia del punk de los 70 que grupos como The Chamaleons, Public Image y sobretodo Joy Division abanderaron, y aunque estos jóvenes del nuevo siglo ya no llevan crestas y visten siempre con su rigurosa camisa mantienen la oscuridad abrasiva qeu sus pioneros dejaron patente 20 años atrás.

Interpol – Obstacle 1

BOARDS OF CANADA – GEOGADDI

OPETH – DELIVERANCE

Es una brutal demostración de cómo debe empezar todo gran disco de death metal que se precie. El espíritu progresivo recorre todo el disco de forma inteligente, sin llegar a aburrir ni a caer en virtuosismos vacíos.La canción Deliverance es una perfecta mezcla de metal con pasajes acústicos, llena de melodías increíbles. Las canciones “suaves” , A Fair Judgement y For Absent Friends, son un perfecto entretiempo para retornar a ese inmenso death progresivo que Opeth a patentado. Este es uno de los mejores discos de metal de los últimos años.

Se nos va una decada parte III: mis peliculas favoritas

Tal vez la sección que más me ha costado, en un momento decidí cohesionar todo lo que he visto y rankear las mejores, pero shit, es casi imposible, así que dejo las que más me gustaron, y las que no me canso de ver, exceptuando los culebrones para niñas.

Favoritas

BRAND UPON THE BRAIN! (2006)

Dir: Guy Maddin
Género: Surrealismo, Drama

REQUIEM FOR A DREAM (2000)

Dir: Darren Aronofsky
Género: Drama

SNATCH (2000)

Dir: Guy Ritchie
Genero: Comedia Negra

INTO THE WILD (2007)

Dir: Seann Pean
Genero: Biográfico, Drama

SILENI (2005)

Dir: Jan Švankmajer
Genero: Surrealismo, Horror, Stop-motion

TIDELAND (2005)

Dir: Terry Gillian
Genero: Surrealimo, Drama

MUDHOLLAND DR. (2001)

Dir:David Lynch
Genero: Surrealismo, Misterio

TARNATION (2004)

Dir: Jonatha Cauette
Genero: Documental

BIG FISH (2003)

Dir: Tim Burton
Genero: Fantasía, Drama

Se nos va una decada parte II: 2001

Parte II: 2001

CONVERGE – JANE DOE

Un álbum increíble en tantos niveles que es difícil no mantener las palabras “pasión”, “intensidad” y “dominio” de la que brotan en mi cerebelo. Converge es una de las más grandes bandas que nos dio la década,  y cualquier persona relativamente “opend-mind” debe tener presente en su colección. Con el Jane Doe, Converge impulsa su estilo a los extremos, y sale con nada menos que uno resultados perfecto. Cada parte de cada canción es la perfección. Agresivo a cagar, con muchas progresiones, no hay relleno, no hay mentiras. Tienes que escuchar a más de una vez para entender realmente todo lo que está pasando, porque no hay manera en que uno  sola vez sea  suficiente.

Converge – Jane Doe

NEUROSIS – A SUN THAT NEVER SET

Este fue un punto de inflexión para la Neurosis. Con el Times of Grace,  había comenzado a arrojar algo de la pesadez pura y dominante combinandola con sonidos más suaves y pasajes atmosfericos. Una que extrapolan la idea en A Sun That Never Set, toda la calma se transforma en tormena, saturando el ambiente de una forma magistral. Luego de este lanzamiento Neurosis se perfiló como una de las bandas más influyentes en la escena metalera y como las más interesantes de los últimos años.

Neurosis – Stones From The Sky

NICK CAVE & THE BAD SEED – NO MORE SHALL WE PART

La música de Nick Cave & The Bad Seeds es probablemente tan camaleónica como la de David Bowie. Pero su cambio ha sido gradual a lo largo de los años (no tan esquizofrénico como Bowie, quién en su momento hizo un álbum de hard rock seguido por uno acústico y luego por la obra cumbre del glam, por ejemplo). No More Shall We Part fue la segunda entrega de la etapa “baladezca” de Nick Cave (después de The Boatman’s Call). Pero al hablar de “baladezco” sólo me refiero a la superficie, a la forma, porque en este disco no encontraremos los berridos y desplantes de blues caótico típicos de sus primeros discos. A lo largo de más de una hora, viajamos a través de 12 temas de angustia, sufrimiento, religión y desesperación aderezados por una voz apasionada, un piano hipnótico y de vez en cuando ataques de guitarra y batería que le dan un balance perfecto a la escucha obscura, seductora y agonizante de este álbum.

Nick Cave & the Bad Seeds – Love Letter

FUGAZI – THE ARGUMENT

La mayoría de los casos en que un disco te suena atemporal, piensas que está fuera de lugar y que esto se convierte en un defecto grandísimo, como sí los discos que debes oir reflejaran la época en que fueron hechos. The Argument es un disco que se convierte en la canasta de cervezas más refrescante que encontraras en el desierto, sobre todo en 2001, cuando todo lo que oías era el tan aclamado garage rock cuyos mártires, como The Strokes y The White Stripes, pueden estarla padeciendo en estos momentos (aceptemos que no han vuelto a sonar como en ese glorioso año). Fugazi se la jugó en The Argument por mostrar todo aquello que valía la pena del rock, y que hacer rock no era una cosa nada fácil. (continuación)

Fugazi – Cashout

… MAUDLIN OF THE WELL – LEAVING YOUR BODY MAP

…maudlin of the Well es el grupo seminal de Toby Diver, quien más tarde fundara el celebre grupo Kayo Dot. Es en …maudlin que encuentra su vena más metalhead, experimentando a cada momento y por cualquier motivo. Un imprescindible del avant-garde

…maudlin of the Well – Bizzarre Flowers,a Violent Mist

WILLIAM BASINSKI – THE DISINTEGRATION LOOPS

Teniendo en cuenta que es esencialmente un núcleo duro de liberación drone minimalista, la cantidad de elogios y atención que ha recibido ha recibido William Basinski por sus Disintegration Loops es astronómica. En algún lugar oculto en el laberinto interminable e invisible de este disco se encuentra un poco de opio que lo hace adictivo en muchos sentidos

William Basinski – The Desintegration Loops

GREEN CARNATION – LIGHT OF DAY, DAY OF DARKNESS

Una de las más hermosas placas que nos dejo el progresivo, un disco oscuro, intenso y reflexivo, que consta de un solo gran tema titulado igual que el disco, que se abre de forma épica y otoñal a los mas diversos y floydianos parajes.

Green Carnation – Light of Day, Day of Darkness

SHPONGLE – TALES OF THE INEXPRESSIBLE

Es emocionante, dinámico y variado. El uso de la voz es inventiva y añade un montón de vida al álbum. De hecho, es uno de los álbumes con sensación más orgánica que he oído debido tanto  a la electrónica, como a la utilización de instrumentos acústicos, flauta y otros. Se respira. También me gusta la forma en que el dúo hace uso de las formas musicales tradicionales de diferentes países. Le da un sabor único de canción a canción.

Shpongle – Star Shpongle Banned

GODFLESH – HYMNS

El último grito de Justin K. Broadrick junto a Godflesh, una de las bandas under más influyentes en la escena Industrial. Se despide fusionando su gran legado industrial con las nuevas vertientes sludge.

Godflesh – Paralized

THE MICROPHONES – THE GLOW PT. 2

Clásico absoluto del indie lo-fi, que vomita experimentación por todos los lados. Un paseo desde el folk más visceral hasta la psicodelia más abrupta.

The Microphones – The Moon

EXPLOSIONS IN THE SKY – THOSE WHO TELL THE TRUTH SHALL DIE, THOSE WHO TELL THE TRUTH SHALL LIVE FOREVER

La guitarra, batería y bajo todos están ahí pero que se utilizan de una manera muy diferente. El nombre del juego aquí es la elaboración de texturas. Explosions nos pinta un  retrato de un mundo tan frágil que te hará llorar de sólo pensarlo, pero tan hermosa que las lágrimas que valdrán la pena.

Explosion in the Sky – Great Death

OPETH – BLACKWATHER PARK

Opeth, es opeth, y por eso me da paja escribir algo sobre ellos

Opeth -  Harvest

THE STROKES – IS THIS IT

Disco que dio pie a la manía por el Garage Rock. Eso.

The Strokes – Last Night

RÖYKSOPP – MELODY A.M

Con este disco los noruegos de Röyksopp entraron de lleno al salon de la fama del Downtempo. Un disco pop perfecto, lo de momentos ultra-radiales. Parte de la banda sonora del siglo XXI.

Röyksopp – So Easy

… MAUDLIN OF THE WELL – BATH

El 2001 Toby Diver no descanso y lanzo dos discos de gran factura, ¿cómo no incluir los dos?

…maudlin of the Well – Blue Ghost / Shedding Qliphoth

TOOL – LATERALUS

Igual que Opeth, Tool es Tool

Tool – Schizm

BJÖRK – VESPERTINE

Idem

Björk – Pagan Poetry

FENNESZ – ENDLESS SUMMER

Fennesz – Cecilia

LENNY VALENTINO – UWAGA! JEDZIE TRAMWAJ

Lenny Valentino – Chlopiec z Plasteliny

DAFT PUNK – DISCOVERY

Daft Punk – One More Time

Se nos va una decada, Parte I: 2000

Ya estoy cansado de leer criticas y reseñas sobre la década que estamos dejando, la mayoría por no decir todas hablan de lo paupérrimo del panorama musical que se no presentó, alaban a Radiohead e incluyen discos de los Libertines dentro de los más representativos, comentan sobre los “revival” como si no se hubiesen generado nuevas tendencias, que el estancamiento musical acá y allá.  Pues bien, yo no comparto esa opinión, es por eso que enlisté mis discos favoritos por año, para mostrar que de verdad hay calidad y discos que no tienen nada que envidiarle a decenios pasados. De paso, 20 discos por año que no pueden dejar pasar.

Parte I: 2000

ELECTRIC WIZARD – DEPETHRONE

Electric Wizard fue catalogado el grupo más denso de los noventas, tal titulo lo extrapolaron de una manera sobrenatural cuando editaron esa joya del Doom saturado y caótico, llevando la herencia Sabbathiana al máximo, con riff mastodónicos y a momentos psicodélicos, creando un universo oscuro lleno de himnos monolíticos.
Electric Wizard – Vinum Sabbathi

UlVER – PERDITION CITY

Uno de los grupos noveles y abanderados del Black Metal, dio un giro radical y se puso a experimentar con todo lo que tenia.  El Perdition City representa al Ulver en tierra derecha, ya alejado totalmente del mundo metalero para entrar en el limbo de las pesadillas electrónicas. Sin duda uno de los grandes grupos de la década, Garm demostró que es un genio.
Ulver – Lost in Moments

PRIMAL SCREAM – XTRMNTR

Disco que cambió la forma de entender el rock, Primal Scream se dio el lujo de juntar la vena rockera al más puro estilo de los Stooges con la electrónica que venían realizando, llenando la placa de mensajes políticos y mostrando que el asimilar el garage es mucho más que andar imitando a The Strokes. (Reseña Miconejo)
Primal Scream – Swastika Eyes

MORPHINE – THE NIGHT

The Night fue el ultimo e inesperado suspiro de Morphine. Mark Sadman murió tan solo unas semanas después de haber terminado de grabar. El álbum, por su estado anímico, casi parece el Requiem de Sadman, oscuro, denso, profundo, hipnótico, lento y reflexivo, manteniendo ese combo ganador saxo-bajo-batería, que le dieron nuevos aires a la propuesta rockera.
Morphine – Rope on Fire

PJ. HARVEY – STORIES FROM THE CITY, STORIES FROM THE SEA

Letras inteligentes y diferentes, eso es lo que ofrece Polly Jean, además de la composición musical bastante “easy-listen”, tan radial y tan mal intencionado que dicotomicamente se transforma en un icono del sonido de PJ. ¿alguien duda de la calidad de este disco?
Pj. Harvey – Big Exit

AVEY TARE & PANDA BEAR -SPIRIT THEY’RE GONE, SPIRIT THEY’VE VANISHED

Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished crea una atmósfera mucho más cuidada que todo lo que construirían  Avey Tare y Panda Bear  bajo el nombre de Animal Collective. Sin embargo, la referencia que pretendo hacer aquí, es a un trabajo que desprende innovación: de la revuelta pasividad, dan un salto cuántico a la locura inducida por quien-sabe-cual droga del momento. Aquí hay de todo y para todo, desde demostraciones psicodélicas de lo que, después, va a ser considerada cotidianeidad en la banda, hasta temas con retoques barrocos, de esos que no son frecuentes en Srawberry Jam.
Avey Tare & Panda Bear – April and the Phantom

AT DRIVE-IN – RELATIONSHIP OF COMMAND

Antes de coquetear con el progresivo, Omar Rodriguez-Lopez y Cedric Bixler-Zavala daban cátedra de post-hardcore, y se despidieron con este disco, que condensa todo el sonido de At Drive-in, un disco violento, lleno de cambios de ritmo, explosivo. Su Opera Magna.
At Drive-In – Arcarsenal

SPIRITUAL BEGGARS – AD ASTRA

Este es el cuarto álbum de la ropa retro de Suecia, con Michael Amott, ex Carcass y actualmente en Arch Enemy, Per Wiberg de Opeth, Ludwig Witt de Firebird y de las especias, el ex-Mushroom River Band. ¿y que nos ofrecen?, Stoner a concho, puro y crudo rock. Si usted quiere rock&rollear escuche este disco y salga a agarrarse a piñas.
Spirtual Beggars – Angel of Betrayal

QUEENS OF THE STONE AGE – RATED R

Queens of the Stone Age  suena como nadie,  más en el paisaje sonoro, y Rated R es el punto de partida ideal para averiguar por qué. La combinación de metal y punk, pero filtrando a través del stoner psicodélico es monumental, el álbum se siente de forma monstruosa y misteriosa, doblando las normas génericas a su voluntad. Es una extraña categoría de evasión del  rock, un disco misterio al intentar clavar la personalidad de la banda. Más allá de simplemente escribir canciones pegadizas, QOTSA siempre han destinado a crear estados de ánimo inquietantes, con el  Rated R se puede recordar una película de la vieja escuela del terror, donde las emociones y temores de lo que fue concebido como sangre sin sentido.
QOTSA – Better Living Through Chemistry

GOLDFRAPP – FELT MOUNTAIN

Nos encontramos frente a un álbum muy profundo. Un álbum creativo. Escuchando cada canción en diferentes momentos afectan de manera diferente dependiendo de su estado de ánimo. Temas poco convencionales y con grandes sentidos oníricos, llenos de magia y sensibilidad, un paseo desde el Dream Pop más delicado y hermoso hasta el Trip-Hop más perturbador.
Goldfrapp – Utopia

GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR – LIFT YR. SKINNY FISTS LIKE ANTENNAS TO HEAVEN!

GSYBE es tal vez la mejor banda de Post-Rock y este es tal vez, su mejor disco. Nada más y nada menos. 4 hermosas, largas y potentes canciones que te teletransportan en un viaje sonico sin retorno.
GSYBE – Storm

SUNN O))) – VOID

El mayor error que comete la gente cuando da sus primeros pasos con  Sunn O))), es la suposición de que lo que están a punto de hacer es escuchar música. No me malinterpreten este sin duda es la música, pero no vamos a encontrar vocales o riffs pegadizos, no vamos a encontrar estructuras intrincadas o abiertamente solos técnicos, y ya está, definitivamente, no va a encontrar algo que se puede bailar. No, ¿qué vas a encontrar es intenso, largo, repetitivo y pesado, pistas de Drone?. Sunn O))) tienden a ser una banda de enlace para los que no saben nada de Drone, este junto con su creciente notoriedad general es lo que hace nacer el amor o el odio que normalmente reciben.  Aunque el objetivo es crear un ambiente o atmósfera, Sunn O))) toma estos en una ruta diferente creando algo que no es sutil, sino que requiere su atención. No estás escuchando la música que estás sintiendo.
Sunn O))) – Ra at Dusk

FORGOTTEN SILENCE – KA BA ACH

Una mezcla algo intrincada de folk eslavo, death metal y jazz, muy fusión a momentos muy metal en otros, Forgotten Silence supo combinar la sutileza de su folcklore con la brutalidad del metal.
Forgotten Silence – SAQQÁRA

THE AVALANCHES – SINCE I LEFT YOU

Lo que tenemos aquí es una hora o más de sonidos tomados de fuentes diferentes y dispuestas de tal manera que se mueve tu alma, tus pies y tu mente. De hecho, la mitad de la diversión viene de repente, el reconocimiento de una muestra enterrada en tu memoria es la mezcla perfecta, que popularizaron los australianos de Avalanches en su único y glorioso disco.
The Avalanches – Frontier Psychiatrist

A PERFECT CIRCLE – MER DE NOMS

Editado en pleno apogeo del nu-metal, ‘Mer De Noms’ nos ofrece una mezcla de metal y rock alternativo con un toque intelectual. Las referencias a Tool se hacen inevitables, aunque A Perfect Circle son más directos, menos retorcidos, y sobretodo son de este planeta.
A Perfect Circle – Judith

GARY NUMAN – PURE

Gary Numan lleva en el negocio casi mas de 20 años, influencia directa de grupos como Depeche Mode o NIN. Pero claro tanto tiempo provoca un desgaste, así que Numan asumió una retroalimentación de las bandas que se alimentaron de él. Resultado, Pure, una joya anacronica del industrial, realizado por el padrino de la musica industrial.
Gary Numa – Pure

COIL – MUSICK TO PLAY IN DARK VOL.II

Culminación de la magia y la música como una forma de destruir la mente de los pueblos para que  se puedan reconstruir una vez más desde cero. Escuchar a Coil, es ponerse los audifonos de la oscuridad, la cantidad de detalles y pequeños elementos que están ocultos en la música es asombrosa. Cada vez que escucho, oigo algo que no he oído antes. Creo que al final de “Batwings” Jhonn Balance es cantar en un idioma que no humanos. Un lenguaje de los elementos.
Coil – Ether

JOHNNY CASH – AMERICAN III: SOLITARY MAN

Simplemente, Johnny Cash.
Johnny Cash – Won’t Back Down

CLINT MARSELL & CRONOS QUARTET – REQUIEM FOR A DREAM

Clint Marsell es uno de los grandes realizadores de OST de los 00’s, la profundidad y clímax musicales que alcanza los desearía cualquier compositor moderno. Requiem for a Dream es una de las mejores películas de los últimos años, y gran parte de ello es gracias a su banda sonora que incrementa de forma magistral los puntos altos y la paranoia de la película.
Clint Marcerl – Requiem For a Dream

MODEST MOUSE – THE MOON & ANTARCTICA

Si alguna vez hubo un álbum, que expondría cómo jugar de forma impecable guitarra del  indie, The Moon & Antarctica sería el uno. “3rd Planet”, es un conjunto de riffs de confeccionados para engañar al oído. A pesar de ser increíblemente fáciles, suenan más complejo de lo que realmente son. La voz de Brock no tiene necesidad de introducción, y, por supuesto, sus letras. Contrariamente a la hermosa guitarra  la sección rítmica minimalista, juega de forma lisonjera, de entrada  Brock mantiene su contundencia de marcas y la autosuficiencia. “Gravity Rides Everything” muestra algunas de las experimentaciones en el estudio, como por ejemplo los armónicos con la guitarra invertida, entre otras cosas. Un disco que cambia de presencia, se oculta y aparece en cada momento.
Modest Mouse – Gravity Rides Everything

Alexej Von Jawlensky v/s Boy George

“Mädchen mit roter Schleife”, 1911

Con sus mejillas rosadas y  de petulante mirada, la chica de “Mädchen mit roter Schleife” parece la personificación de la juventud y el tradicionalismo velado por el ojo expresionista. Alexej Von Jawlensky llena la imagen con una gama de colores incandescentes que hablan de la vitalidad y la potencia de la juventud. Estos colores, tan vivos y audaces, se contraponen con el extraño ápice de la mirada que tiene un dejo deliberado de mal humor, un detalle no menor, que añade una dimensión entrañable a la pintura.

Ahora que tiene que ver esta pintura del expresionismo ruso con uno de los más grandes salames de la música, pues poco o tal vez mucho, dado que la jovenzuela plasmada por Von Jawlensky tiene ciertos parecidos con la imagen que Boy George trato de implementar en los 80s  (una imagen que no creo referencial a la pintura) al igual que otros muchos patéticos aspirantes al New Wave y Post-Punk.

Underwear

¿Por qué no cierras la puerta y juntas las cortinas?, porque no vas a ir a ninguna parte. Él está subiendo por la escalera, y dentro de un momento querrá ver tu ropa interior. Ahora ya no podría detenerlo, no hay forma de escapar. Se ha acercado demasiado- ¿cómo demonios has llegado aquí, semidesnudo en la habitación de otra persona? Daría mi vida entera por verlo; sólo tú, allí, de pie, en ropa interior. Si es a la moda a lo que te dedicas, entonces cuando estás desnuda supongo que debes estar sin trabajo, sí. Pero una vez que está en camino, no hay forma de escapar del hecho de que eres una chica y él es un chico. Ahora ya no podría detenerlo… Quiero verlo. Si pudieras cerrar los ojos y recordar que es esto lo que querías anoche. Así que, ¿por qué te cuesta tanto tocarle, entregarte a él? oh Jesus- Ahora ya no podría detenerlo… Vamos. Oh sí, quiero verte, verte de pie en ropa interior.

Imagen: Javier Molinero

Metamorfosi – Inferno

Sin duda alguna la Divina Comedia es uno de los puntos álgidos de la literatura universal y punto de encuentro para todos aquellos que gozan de la imaginería teológica. Más allá del valor intrínseco que adquirió por derecho propio la obra de Dante Aligheri, podemos encontrar su gran influencia en un sin número de expresiones de las mas diversas índoles, como por ejemplo en el boom del progresivo Italiano de los años setenta.

Dante, dividió su viaje en la compañía de Virgilio en tres Cantos, referentes a los estadios después de la muerte como son el Infierno, el Purgatorio y el Cielo, pues bien el canto que nos interesa en esta ocasión es el del Infierno. Desarrollar un paseo por el inframundo no es una tarea sencilla, el hecho de plasmar el castigo y la condenación sobre los que han obrado “mal” en la tierra tiene su punto tentativo, lo mismo que describir la morada de Don Sata, entre nosotros, para hacer un disco de musica, que es mas atractivo: el cielo o el infierno. Creo que no hay duda que el infierno surge mucho más tentador y exploratorio que el cielo. Bueno ese mismo raciocinio desarrollaron los otrora jóvenes de Metamorfosi, quienes a su usanza musicalizaron este paseo por el Inferno de la forma más pulcra y ortodoxa que el progresivo nos pueda ofrecer. Desde los intensos teclados de la Porta dell’Inferno, emuladores de las más grandes e inexorables puertas que un hombre pueda presenciar, hasta las turbulentas aguas por donde Caronte transporta a las atormentadas almas, pasando por los personajes que Dante y Virgilio se encuentran durante su “paseo dominical”, todo esto en un pulcro trabajo de teclados, órganos y sintetizadores. Un disco de culto para los amantes del progresivo, de una de las cientos de bandas italianas que luego de editar un titulo desaparecen sin dejar huella.

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Descripción del infierno de Dante

El Infierno de Dante tiene forma de embudo dividido en círculos decrecientes. Los círculos son nueve: los cinco primeros conforman el Alto Infierno y los cuatro últimos, el Infierno Inferior. Está de más decir que a mayor profundidad, más intenso el calor y más graves los pecados.
Sin embargo, no puedo asimilar la escala que ofrece la Divina Comedia, porque para mi, pecado es otra cosa. Pecado es molestar, desperdiciar el tiempo, traicionar, usar aceite mezcla, comprar jeans de tiro alto, presumir o acostarse con el novio de una amiga. Por tal motivo, aquí ofrezco timidamente mi infierno personal; en donde condeno a aquellas que nos hacen día a día, la vida un poco más incómoda.

Primer círculo:

Las profundas

Sus arranques intelectualoides las llevaron al primer círculo, en donde sufrirán el más terrible de los castigos: ser iguales a las demás. Pero eso no es todo; esta vez, también se enfrentarán a la hostilidad del entorno, pues para ellas, la primera capa del infierno es un campo verde de tiernos brotes en donde nunca se oculta el sol.
Segundo círculo:
Las viejas pesadas

Las viejas que eligen kinoto por kinoto, las que quieren charlar, las que ignoran el espesor de las paredes en los edificios modernos, las que conversan en los comercios, las que tienen un perro con nombre de señor, las que espían y las que caminan amuralladas; todas ellas se encontrarán en el tercer círculo del infierno: un enorme supermercado de pasillos angostos, con productos de etiquetas ilegibles y cajas sin prioridad para ancianos.

Tercer círculo:
Las Omliguitas

Ombliguita está convencida de que su familia es una fuente es inspiración para los demás. Le gusta enumerar las doscientas funciones de su nuevo dvd, relatar cómo su abuelo fundó la ciudad de Plátanos o exhibir los escudos familiares del marido. Por razones de horarios, el show de niños prodigio sólo se hace por la tarde, cuando sus hijos están despiertos y dispuestos a mostrarle al mundo cómo hacer soretes de plastilina o sacarse los mocos haciendo la vertical.

Cuarto círculo:
Las madres invasivas

Están destinadas al quinto círculo todas aquellas madres que nunca hayan comprendido el concepto de “privacidad”.
Por sus pecados, deberán vagar habiéndose vaciado las cuencas de los ojos, mientras un coro de gárgolas lee sus diarios íntimos en voz alta, y en una pantalla gigante, se proyectan infinitamente sus anécdotas más privadas.

Quinto círculo:
Las moscas muertas

Las temibles enemigas de la confrontación están destinadas a padecer la eternidad convertidas en insectos lentos y evidentes. Esta vez, su hogar será una telaraña enorme, en donde mueren una y otra vez aplastadas por una poderosa tarántula tropical.

Sexto círculo:
La madre que inocula culpa

Vivirán en el sexto círculo quienes hayan consagrado su existencia a victimizarse y a mutilar la independencia de sus hijos por medio de sus peligrosas lenguas bífidas llena de dobleces y segundas intenciones.

En el infierno, todas las tardes sus hijas saldrán de paseo, y al volver, las encontrarán llorando, o tiradas en el baño con la cadera rota, o atoradas de pastillas o con las valijas en el palier; y en todos los casos, las ignorarán.

Séptimo círculo:
Las Pasive-agressive

Todas aquellas que posean alto porcentaje de comentarios maliciosos cifrados en observaciones y sugerencias están destinadas a vagar por el Infierno luciendo el peor de sus vestidos y un peinado demodé, mientras el resto de las mujeres las critica a sus espaldas.

Octavo círculo:
Las naranjitas

Cuando por fin encuentra su otra mitad, la naranjita siente que sus amigas de toda la vida son ahora solteras patéticas que no merecen su atención. Desde ese momento, las únicas activiadades dignas de su persona son las reuniones familiares, las salidas con su novio y las reuniones de parejas.

Todo aquello que esté relacionado con su soltería es repulsivo, triste y amenazador salvo cuando hace caridad, y le presenta a una amiga un soltero impresentable amigo de su marido.

Por sus pecados, las naranjitas arderán en la eterna llama de la soltería, en el segundo círculo del Infierno: una interminable fiesta de solos y solas, con un extenso y colorido carnaval carioca.

Noveno círculo:
La planta carnívora:

Provocativa como una frutilla entre los labios, la planta carnívora desea poseer a todos los hombres que tengan interés en una segunda mujer.

El ritual es simple y sin variaciones: la planta se frota a escondidas con un muchacho, lo devora y luego se purga llorando y pidiéndole perdon a su amiga, la novia legítima.

A las veinticuatro horas de su última disculpa, el receptáculo se abre nuevamente y la planta carnívora está lista para sorprender a sus amigas y comenzar con el ciclo otra vez.

A las plantas carnívoras les corresponde un lugar a la derecha de Satán y una almohada en su lecho abrasador. Pasarán la eternidad como ilusas esposas engañadas, con un trapo repasador en la mano, y la cena quemada en el horno.

Tom Waits – Rain Dogs

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Después de su exitoso  Swordfishtrombones, Tom Waits decidió continuar con la experimentación de la misma e intrigante manera. El resultado fue la definición de obra maestra, Waits edito un disco indispensable, el Rain Dogs.

Rain Dogs es una etapa posterior de Swordfishtrombones, sustituyendo los nudos incompletos de este  último, por ideas brillantes que se alojan en cada una de las diecinueve canciones. Con una producción perfecta que coquetea con el lo-fi se refuerza de manera necesaria las letras sustanciosas. Las innovaciones de su predecesor se hacen cada vez más atractivas, los gritos, las percusiones exóticas, el tradicionalismo, todo confabula en formar al Waits más catarquico que nos podamos imaginar. Aún así el Rain Dogs no se queda en ser el salto natural del Swordfishtrombones, sino que reluce en su propia esencia, con una visceral y cruda potencia, camaleónica a todo momento.

A pesar del carácter netamente experimental del disco, Rain Dogs se las arregla para preservar una frescura notable, otorgando una accesibilidad e inmediatez loable. Acá no hay nada de “re-listen”, los 54 minutos pasan volando y tan satisfactorios como una cena de Navida para el estomago. Este concepto de flexibilidad que posee Waits se refleja gracias a que es la voz de las almas perdidas (Rain Dogs son los perros que se han perdido porque su olor ha sido arrastrado por la lluvia), y es así como nos encontramos nuevamente con Frank el marino del Swordfishbone, quien se dispone a zarpar de Singapur, un relato del todo surrealista, lleno de percusiones y cuerdillas que conducen a la imaginación directamente al rincón asiático. Esta apertura se yuxtapone hábilmente a la imagen oscura y polvorienta de Clap Hands, que con un coro simple nos conduce a los juegos más oníricos de la niñez, a una tenue pero árida tranquilidad. Algo similar ocurre en la maravillosa Cementery Polka, que combina imágenes sobre la muerte y la enfermedad con una melodía otorgada por un optimista acordeón, donde Waits ladre sabrosas lineas  “Tío Violeta voló como piloto, dijo que no hay chicas bonitas en Francia, ahora se enfrenta a un corredor de apuestas …”, esta nos garantiza una hipnotizante detención, ya es imposible salir del encanto weitiano. Gracias a la Jarmusch , Jockey Fill of Bourbon, se presenta como uno de los temas más famosos del disco, al aparecer en la pelicula Donw By Law, donde además waits figuro con un protagonico, se relata un cuento casi susurrado del libertinaje, la ebriedad, de una guitarra asesina y vanguardista, Waits sigue esta historia de abuso de alcohol con Tango Till They’re Sore, un tema musical tan mareado que casi simula la experiencia de estar borracho. Haciendo uso de un piano brillante pero incompetente golpeado que evoca vívidamente una escena de descomposición frívola con el coro “Déjame caer por la ventana con confeti en mi pelo, Deal tomas de salida son mejores en una manta por las escaleras “. De este mareado y violento barrio damos vueltas y vueltas hasta que el atronador Big Negro Mariah arranca gruñendo y bluseando, palmeando al oyente para Diamonds and Gold, tal vez el momento más introspectivo, una pieza tan entretenida como lamentable, una trampa entre el deseo materialista y los anhelos en forma de arco iris, que palidecen de formas poco ortodoxas.

Luego de todo este volteretazo avant-garde, llega Hang Down Your Gead, que puede presumir una mayor calidez y humanismo que el resto del disco, mucho más agradable y “fácil” de cantar, tal vez porque es un tema escrito por su esposa Kathleen Brennan. Si las cosas están suaves, pues se mantienen suaves, “Y tú eres el este de East St. Louis y el viento está haciendo discursos y la lluvia suena como una ronda de aplausos “, así es como Time, una balada aparecida de la nada unifica todo el proceso del disco, encajando anecdoticamente con su dolor y melancolía acústica.

Oh la la, el familiar sonido del acordeón inicial de Rain Dogs (el tema), no arrastra como almas perdidas bajo la lluvia, con sus aires entre festivos y letárgicos, “yo soy un perro bajo la lluvia también”, donde cada ladrido comulga con la juerga mancomunada entre oyentes y música, con aires de expreso turco de media noche.

Midtown, un tema instrumental tan jazzero como policial corta todas las aguas, para teletransportarnos a la ley seca, a las persecuciones, al asalto de bancos y la fuga de bonny and clyde, todo ello en apenas un minuto, conciso, nada le falta. 9 y Hennepin es una pista de palabra hablada, establece en un fondo musical de mal agüero. 9 y Hennepin está llena de grandes líneas desde el principio (” Bueno, es 9 y Hennepin y todos los donuts tienen nombres que suenan como prostitutas “) y se entrega con una fría indiferencia, de lo mundano, de las minuciosas miradas de un observador   “El detrás de la barra tiene una lágrima tatuada, una por cada año está ausente, dijo, tal belleza en ruinas, pero no hay nada malo con ella en que 100 dólares no van a resolver “. El minimalismo se continúa en Gun Street Girl, una auténtica maravilla, el blues rock a la vena. Con un ritmo rápido, con una enorme diversión Union Square reelabora el coro de Donwtown (otro tema de Waits) para acelerar el sucio blues y transformarlo en un balanceado rock n’ roll. Blind Love, viene a diversificar más aún los estilos alojados en Rain Dogs, aumentando la oferta melódica, recordando a Time o Hang Down Your Head, reproducción intensa de la tosca y polvorienta voz de Waits, un tema digno de un vaso de wisky y un revolver. Walking Spanish, en cambio, es una impermiable hecho a la medida, un blues hecho a la medida, lleno de letras escupidas y gruñidos de la misma claridad, jugando en el límite de la claridad. Tal vez los dos últimos temas mencionados se vean opacados por la notable y rigurosa DownTown Train, un clásico de la Americana, que combina la experimentación en bruto con la composición clásica y tradicionalista, que dicho sea de paso es la formulilla del disco, un aplauso a la solemnidad lúdica, testimonio de un exito potencial.

A continuación un minuto de duración instrumental, Bride of Rain Dogs, que proporciona un intervalo de Niza entre el tren muscular “Downtown” y el final completamente increíble. “Anywhere I Lay My Head” es Waits clásico de todo, la apertura con un grito espantoso y tosco. Cuando Waits  grita “Mi cabeza es redonda y rota” es casi imposible recopilar todo lo que nos ha entregado este disco, que de forma alarmante, nos guarda el ultimo y electrizante aullido, edificante en la cohesión del disco, en el cierre perfecto de un viaje extraordinario, aires cabareteros, voz vertiginosa, un rompecabezas que encaja de forma univoca en el gustillo experimental, una pieza clave de los 80s, que se transformo en un culto, en una forma de elogiar el pupurri musical….

T. Rex

Como esta de moda esto de clasificar “trilogías”,  porque no mencionar, disfrutar y vanagloriar a T.Rex, uno de los grandes nombres de la historia del rock, porque no hablar de sus tres joyas del glam-rock, tres discos neurálgicos y escondidos de lo que significo el sonido de la década del setenta, discos que tanto por derecho propio como por padrinos de nuevos sonidos debiesen estar en la estanteria del recuerdo constante,  ¿qué hubiese sido de Ziggy Stardust sin Bolan?!!

Electric Warrior

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Disco representativo del sonido electrico y cautelozo de T. Rex, un obra que coquetea tanto con el filo de las guitarras eléctricas como con los calmados y potentes ritmos de la percusión, desde que Mambo Sun entra en la frecuencia sonica es imposible dejarse eclipsar y seducir por la gastada y lujuriosa voz de Bolan, que nos invita vivir los mas neolíticos encuentros con el rock más visceral que el glam nos pudiese otorgar. Como dejar pasar los enigmáticos pasajes de Cosmic Dancer, como no sacar a relucir el groovy de Jeepster, como no recordar el hit imperecedero de Bang a Gong, como no hipnotizarse con la intrigante balada llamada Girl… un disco de puta madre.

The Slider

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”You can’t get rock from a bad fuzzy guitar and a bongo” – Ken Simmons, “Rolling Stone,” July 23, 1970

Ken Simmons no tenía idea de lo que hablaba cuando se edito The Sliter, un disco que despues de casi 40 años suena igual de fresco y proponderante, Metal Guru trae todas las respuestas a la duda de como hacer rock con bongoes y guitarras electricas distorsionadas, copado al máximo de  pasajes fantasmagoricos, como un dulce paseo entre la amalgama que se forma entre la sensualidad, el rock y la linea melodiosa que nos otorgan un cuadro si bien gelido, muy acojedor.

Dato: la foto desenfocada de la portada es obra y gracia de Ringo Starr, quien era muy amigui de Bolan y admirador de T. Rex.

Tanx

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Sus sonido recuperan los ritmos del rock’n'roll y el boogie, la melodía más directa del pop y la cuidada producción de Tony Visconti. Retroalimentado por la influencia de Bowie, este es el último gran suspiro de un genio que cambió la forma de entender el rock.